La pintura en un fragmento literario

Un lugar donde podamos dar rienda suelta a la creatividad en todos sus aspectos: fotografía, pintura, escultura, arquitectura...

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El Cristo Amarillo - Paul Gauguin (1889) :arrow: Posesión - A. S. Byatt (1990)

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Habían estado en Bretaña tres semanas. Habían supuesto, cuando emprendieron su fuga precipitada, que aquel tiempo robado lo pasarían decorosamente en la biblioteca de la universidad de Nantes. En vez de eso se habían encontrado, debido al cierre de la biblioteca y a la ausencia de Ariane Le Minier, de vacaciones, de vacaciones juntos, y por segunda vez en aquel verano. Tenían habitaciones separadas -con las camas blancas de rigor-, pero no había duda sobre el aspecto marital, o de luna de miel, de su remoloneo. Era algo de profunda confusión y gran ambivalencia entre los dos. Alguien como Fergus Wolff habría sabido aprovecharse de ese estado de cosas, y habría dado por hecho que era natural, obligatorio incluso para él, aprovecharse. Pero Maud no habría vuelto a ir a ninguna parte de buena gana con Fergus. Y con Roland se había puesto de viaje de muy buena gana. Se habían escapado juntos, y eran agudamente conscientes de las connotaciones habituales de esa acción. Hablaban apaciblemente, y con una especie de parodia del antiguo consenso conyugal del <<nosotros>>. <<¿Vamos a Pont-Aven?>>, preguntaba uno plácidamente, y el otro contestaba: <<Podríamos intentar ver el crucifijo que sirvió de modelo para el Cristo Amarillo de Gauguin.>> Pero no comentaron ese uso del plural, aunque los dos pensaran en ello.
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La Mona Lisa - Leonardo da Vinci (1503-1506)
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Los comedores de patatas - Vincent Van Gogh (1885)
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-Yo sé que lo es -dijo Leonora Stern-. En los Estados Unidos corren toda clase de rumores. Cosas que han desaparecido de las vitrinas de pequeñas colecciones locales, curiosidades de interés particular, el alfiler de corbata que empeñó Edgar Allan Poe, una nota de Melville a Hawthorne, cosas así. Una amiga mía tenía casi convencido a un descendiente de un amigo de Margaret Fuller para que le vendiera una carta donde hablaba de su encuentro con escritores ingleses en Florencia, antes de la travesía fatal, llena de interés desde un punto de vista feminista, y Crooper se presentó, ofreció un cheque en blanco y se le dijo que no. Al día siguiente van a buscar el manuscrito y había desaparecido. No se ha vuelto a saber de él. Nosotras creemos que es como esos multimillonarios míticos que contratan a ladrones para que les consigan la Mona Lisa y los Comedores de Patatas.

Posesión - A. S. Byatt (1990)
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La cabaña de Jourdan - Cézanne (1906)
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La arlesiana - Vincent Van Gogh (1888)
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El jardinero - Vincent Van Gogh (1889)
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Le Chemin de Sévres - Camille Corot (1855-1865)
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Sur la falaise près de Dieppe, soleil couchant - Claude Oscar Monet (1897)
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Allée de peupliers aux environs de Moret-sur-Loing - Alfred Sisley (1890)
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Detrás de la puerta encontré unas relucientes escalerillas de madera pulimentada que terminaban en un amplio corredor decorado con alfombras, tapices españoles y espléndidos cristales de Baccarat y porcelanas de Sèvres entre los ventanales. Avancé de puntillas a pesar de saber que no había peligro de ser escuchada porque el mullido recubrimiento del suelo ahogaba mis pasos y porque el matrimonio Seitenberg dormía cuatro pisos más abajo. Al fondo, una puerta de roble labrado, que se deslizó sin hacer ruido, me dio acceso a la galería de pintura, y cuál no sería mi sorpresa al ver allí, colgando de las paredes y de los paneles dispuestos en hileras en el centro de la sala, la mayor parte de las obras robadas en los más importantes museos de Europa durante los últimos años: el paisaje inacabado La cabaña de Jourdan, de Cézanne, y los dos Van Gogh, La arlesiana y El jardinero sustraídos de la Galería de Arte Moderno de Roma; Le Chemin de Sévres, de Camille Corot, el Autorretrato, de Robert de Nanteuil, y el Turpim de Crissé, robados al Louvre; el Falaises près de Dieppe, de Monet, y el Allée de peupliers de Moret, de Alfred Sisley, hurtados recientemente en el Museo de Bellas Artes de Niza, así como un largo etcétera que despertó mi admiración y envidia. El Grupo de Ajedrez no era el único que se dedicaba a esta lucrativa tarea en Europa (incluyendo la cada vez más amplia Europa del Este), aunque había que rconocer que sí era el mejor en su forma de actuar, ya que, mientras los demás empleaban armas para llevar a cabo los robos, nosotros utilizábamos la inteligencia. De modo, me dije con sorna, que Helmut Hubner, el honrado empresario, el filántropo de las galletas, el antiguo miembro de partido nazi, estaba detrás de aquellas sustraciones.

El salón de ámbar - Matilde Asensi (1999)
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El bufón llamado don Juan de Austria- Diego Velázquez (1632-1633) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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A diferencia de sus compañeros de colección, el individuo apodado Don Juan de Austria no tenía empleo fijo en la corte. Era un bufón a tiempo parcial, contratado ocasionalmente para suplir una ausencia temporal o para reforzar la plantilla de enfermos, idiotas y dementes que divertían al Rey y a sus acompañantes. Los archivos no conservan su nombre, sólo su mote extravagante. Equipararlo al más grande militar de los ejércitos imperiales e hijo natural de Carlos V debía de formar parte del chiste. En el retrato, el bufón, para hacer honor a su nombre, tiene a sus pies un arcabuz, un peto, un casco y unas bolas que podrían ser balas de cañón de pequeño calibre; su vestimenta es regia, empuña un bastón de mando y se cubre con un sombrero desmesuradamente grande, ligeramente torcido, rematado por un vistoso penacho. Estas prendas suntuosas no encubren la realidad, sino que la ponen de manifiesto: de inmediato se advierte un bigotazo ridículo y un ceño fruncido que, con unos siglos de antelación, le asemejan un poco a Nietzsche. El bufón ya no es joven. Tiene las manos recias; las piernas, en cambio, son delgadas e indican una complexión frágil. La cara es en extremo enjuta, los pómulos prominentes, la mirada esquiva, desconfiada. Para mayor burla, detrás del personaje, a un lado del cuadro, se entrevé una batalla naval o sus secuelas: un barco en llamas, una humareda negra. El auténtico don Juan de Austria había mandado la escuadra española en la batalla de Lepanto contra los turcos, la más grande gesta que conocieron los siglos, en palabras de Cervantes. La batalla del cuadro no queda clara: puede ser un fragmento de realidad, una alegoría, un remedo o un sueño del bufón. El efecto pretende ser satírico, pero al inglés se le nublan los ojos al contemplar una batalla descrita con una técnica que se adelanta a toda la pintura de su época y que utilizará Turner con el mismo fin.
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Muerte de Acteón - Tiziano (1570-1575) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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Ciego para todo cuanto no guardara relación con el reducido campo de sus intereses, al quedarse solo Anthony pasó revista a los cuadros que colgaban de las paredes. La mayoría eran escenas de caza, entre las que una llamó poderosamente su atención. La muerte de Acteón pasa por ser una de las más importantes obras de madurez de Tiziano. El cuadro que ahora contemplaba era una hermosa copia del original, que Anthony nunca había tenido ocasión de contemplar, aunque había visto muchas láminas y había leído lo suficiente como para reconocer la obra de inmediato. [...]
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Las hilanderas - Diego Velázquez (1657)
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Menipo - Diego Velázquez (1640)
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Esopo - Diego Velázquez (1640)
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Había llegado a Neptuno cuando arreció la lluvia. No sabiendo dónde refugiarse, ganó en dos zancadas la escalera del Museo del Prado y se dirigió a la taquilla. Dado la temprano de la hora y la escasez de visitantes, la taquillera lo reconoció y, con una amabilidad que en medio de su desamparo le resultó conmovedora, le dejó pasar sin pedirle una credencial que también le había sido robada. Ya bajo techo, y todavía irresoluto sobre el camino a seguir, dejó que sus pasos le llevaran una vez más a la sala de Velázquez. Iba a ver Las hilanderas, pero al pasar por delante de Menipo se detuvo en seco, conminado por la mirada de aquel personaje, mitad filósofo, mitad granuja. Siempre le había parecido extraña la elección del asunto por parte de Velázquez. En 1640 Velázquez pintó dos retratos, Menipo y Esopo, destinados a competir en el favor del rey con dos retratos muy parecidos de Pedro Pablo Rubens, a la sazón en Madrid. [...]

Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)
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Cristo en casa de Marta y María - Diego Velázquez (1618-1620) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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Al cabo de un rato reapareció la Toñina con una escudilla de barro llena de un potaje aceitoso, una cuchara de madera y un vaso de agua. Mientras comía, Anthony Whitelands recordaba con detalle el cuadro de Velázquez titulado Jesús en casa de Marta y María.
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La Venus del espejo - Diego Velázquez (1648) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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-[...] Por otra parte, Velázquez, a diferencia de otros muchos pintores de género, nunca retrató a su mujer, ni la utilizó como modelo, ni siquiera en los inicios de su carrera, cuando pintaba escenas cotidianas sirviéndose de personas de su entorno. En dos ocasiones viajó a Italia; en la primera estuvo ausente un año, en la segunda, casi tres años. No llevó consigo a su mujer y no se ha encontrado correspondencia entre los esposos. Velázquez era un hombre apuesto y gozaba de grandes privilegios; y es evidente que era sensible a la belleza femenina, como se puede advertir contemplando la Venus ante el espejo en la National Gallery de Londres.
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Retrato de Felipe IV - Diego Velázquez (1635) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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Ante un cuadro se detiene. El rótulo dice: Retrato de Felipe IV en castaño y plata; para los entendidos, Silver Philip. El retrato muestra a un hombre joven, de rasgos nobles pero no agraciados, la cara enmarcada en largos bucles dorados, la mirada vigilante y preocupada de quien se esfuerza por mostrar grandeza cuando lo que siente es miedo. El destino ha puesto una pesada carga sobre unas espaldas débiles e inexpertas. Felipe IV viste jubón y calzones de color marrón con profusos bordados en plata. De ahí el nombre y el sobrenombre con que se conoce la obra. Una mano enguantada reposa con gesto gallardo en el pomo de la espada; en la otra sostiene un papel plegado en el que figura el nombre del retratista: Diego de Silva. Velázquez había llegado en 1622 a Madrid en la estela de su compatriota el conde duque de Olivares, un año después de la ascensión al trono de Felipe IV. Velázquez tenía veinticuatro años, seis más que el Rey, y poseía una técnica pictórica apreciable, pero todavía con resabios provincianos. Al ver las obras del aspirante a pintor de corte, Felipe IV, que era lerdo para asuntos de Estado pero no para el arte, se dio cuenta de que estaba delante de un genio y, sin hacer caso de la oposición de los expertos, decidió confiar su imagen y la de su familia a aquel joven indolente y audaz, de insultante modernidad. Al hacerlo entró en la Historia por la puerta grande. [...]
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Retrato de Felipe IV - Diego Velázquez (1665) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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En la misma sala, en el mismo paño de pared, a pocos metros del magnífico cuadro, hay otro retrato de Felipe IV, también de Velázquez. Entre uno y otro median treinta años. El primer cuadro mide casi dos metros de alto por uno y pico de ancho y representa al monarca de cuerpo entero; el segundo mide apenas medio metro de lado y sólo representa la cabeza sobre fondo negro, el jubón, apenas esbozado. Naturalmente, las facciones son las mismas en ambos cuadros, pero en éste la tez es pálida y mate, hay una cierta flaccidez en las mejillas y la papada, y bolsas bajo unos ojos tristes, de mirada apagada.
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La rendición de Breda o Las lanzas - Diego Velázquez (1634)
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Las Meninas - Diego Velázquez (1656)
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Velázquez, que sólo pintaba a instancias ajenas y no sentía la menor apetencia por trabajar, se retrató a sí mismo muy pocas veces. De joven, quizá como escéptico testigo de la efímera rendición de Breda; más tarde, al término de su carrera, representando a su propio personaje en Las Meninas. En esta última obra luce ya la cruz de la Orden de Santiago que lo acredita como gentilhombre, pero su imagen es también la del hombre cansado que ha visto realizado su sueño tras una vida de afanes y renuncias y se pregunta si valió la pena. [...]

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La Maja desnuda - Francisco de Goya y Lucientes (1790-1800) :arrow: Riña de gatos - Eduardo Mendoza (2010)

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-Hasta el siglo XX -empezó diciendo Anthony sin hacer una pausa, como quien lleva preparada la lección-, el desnudo es un género inexistente en la pintura española. La Maja desnuda de Goya es una excepción, y otra, anterior y aún más notable, es la Venus del propio Velázquez. La razón de esta carestía es obvia: en España los encargos provenían de la iglesia y, en menor grado, de la casa real, o sea, imaginería religiosa, retratos y algunas escenas de costumbres. En Italia o en Holanda, el caso era distinto. Allí los nobles y los ricos encargaban pinturas para adornar sus salones y como tenían una moral menos estricta, veían con agrado asuntos mitológicos con profusión de desnudos femeninos. [...]
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El triunfo de Baco o Los borrachos - Diego Velázquez (1629)
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La fragua de Vulcano - Diego Velázquez (1630)
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[...] Los pintores españoles de la época conocían la técnica del desnudo, peo en la España de la contrarreforma, sólo la aplicaban a la anatomía masculina: escenas de martirio e innumerables crucifixiones y descendimientos. En este sentido, como en tantos otros, Velázquez tuvo una situación privilegiada: como cortesano recibió encargos privados y pudo ejercitar su arte en todos los géneros, incluido el mitológico: El triunfo de Baco, La fragua de Vulcano y unos cuantos más. Entre ellos, Venus y Cupido, que hoy está en la National Gallery de Londres y que es el primer desnudo de la pintura española y durante mucho tiempo el único.

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Inocencio X - Diego Velázquez (1650)
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Vistas del jardín de la Villa Médicis - Diego Velázquez (1630-1650)
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-En noviembre de 1648 -continuó diciendo-, Velázquez viaja por segunda vez a Italia por orden de Felipe IV con el propósito de adquirir obras de arte para incrementar las colecciones reales. Sin embargo, en esta ocasión el viaje dura más de lo previsto: dos años y ocho meses. El Rey se impacienta y reclama a su pintor favorito, pero Velázquez se hace el remolón. Durante esta larga estancia en Italia, pinta poco: en Roma retrata al Papa Inocencio X y a altas jerarquías de la curia vaticana, y para distraerse mientras convalece de unas fiebres, pinta dos paisajes diminutos y melancólicos de la Villa Médici. [...]

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Re: La pintura en un fragmento literario

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El bufón don Diego de Acedo, el primo - Diego Velázquez (1645)
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Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas - Diego Velázquez (1643-1645)
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La infanta Margarita de Austria - Diego Velázquez (1660)
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La infanta María Teresa de España - Diego Velázquez (1652-1653)
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Diego de Acedo, apodado El Primo, y Francisco Lezcano habrían gozado en este mundo de un rango igual o inferior al de los perros si Velázquez no los hubiera hecho entrar en la inmortalidad por la puerta grande. Acedo y Lezcano eran dos enanos adscritos al nutrido elenco de bufones de la corte de Felipe IV. Los cuadros en que aparecen son grandes, de un metro de alto por ochenta y cinco centímetros de ancho. Los retratos de las infantas Margarita y María Teresa miden lo mismo. Y también es idéntica la mirada del pintor sobre sus modelos, sean infantas o enanos: humana, sin halago ni compasión. Velázquez no es Dios y no se siente llamado a juzgar un mundo que ya ha encontrado hecho y sin remedio; su misión se ciñe a reproducirlo tal cual es, y a eso se aplica.

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