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Moderador: Arden
Lo pongo aquí por los ensayos sobre teatro que contiene.El cuenco de plata dice:
El día de su estreno, el 18 de enero de 1935, Preshwater contó con un público de 80 espectadores; cifra nada desdeñable si consideramos que se trataba de una ceremonia festiva a la que sólo asistieron allegados del grupo Bloomsbury; es decir, amigos de la autora. Una "comedia de entrecasa", en fin, a la manera de esa obrita que es el eje de Entreactos su trágica y disgregada última novela. Sin embargo, en su desenfado delirante, Freshwater evoca el perfil menos conocido de Virginia Woolf como escritora: el humor irreverente y mordaz de Orlando.
Verdadero antecedente del "teatro del absurdo", Freshwater fue representada por primera vez fuera de Inglaterra en 1982, en el Centro Pompidou, con un elenco que contó con el mismísimo Eugéne lonesco. Convertida en obra de culto, fue representada en la Maison Francaise de la U.N.Y. en 1983, con un elenco que incluyó a Joyce Mansour, Alain Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute y S. Wilson. En 2009 se estrenó en el off-Broadway de Nueva York, y en 2010 en Buenos Aires.
La presente edición incluye una semblanza biográfica de Julia Margaret Cameron (tía-abuela de Virginia, genial pionera del arte fotográfico y personaje central de Freshwater), que no desmerece el humor absurdo de la obra.
Se incluyen también fotografías de Julia Margaret Cameron que ayudan a dar una idea precisa de los personajes.
La última sección del libro presenta cuatro ensayos sobre teatro; una semblanza de la actriz Ellen Terry (personaje también de Freshwater) una reflexión sobre la diferencia entre lectura y representación a partir del estreno de Noche de Reyes en el Old Vic de Londres, y dos trabajos conceptuales: uno sobre teatro isabelino y otro sobre teatro y literatura griega.
Academia de las Artes Escénicas de España dice:
Un estudio que recoge más de trescientas obras que están relacionadas con esta temática y que se han representado en España desde 1929. En total se reseñan 325 montajes de estas obras, estrenados en distintas ciudades de toda España. El estudio se presenta por géneros: Lesbianismo, Musicales con gay, el SIDA en la escena, la contribución del circuito alternativo, etc. Se recogen opiniones de autores y actores que, a lo largo de las últimas décadas, han participado en montajes de estas características. También incluye numerosas fotografías de los montajes citados. El repaso a las críticas que se publicaron tras los estrenos nos ofrece una radiografía sobre la evolución de la aceptación de la homosexualidad en las artes escénicas y en la sociedad en general. El prólogo ha sido escrito por el también académico, docente y autor teatral, Julio Escalada.
lucia escribió: ↑21 Dic 2020 21:13
ISBN 978-84-89987-96-8
Paginas 224Ver en AmazonÑaque escribió:Cuaderno de Dirección Teatral es un manual práctico, un 'cuaderno' que el director -y también el aspirante a director-, podrá leer, consultar o con el que incluso se podrá dejar llevar, confiando en su solidez, estructuracíon y planteamiento de todos sus contenidos.
El libro se estructura en tres grandes bloques. El primero se centra en la figura del director, su formación, sus roles y en su herramienta básica: el cuaderno de dirección. El segundo bloque es el más extenso y se ocupa del trabajo de análisis de la obra, su forma, su sistema narrativo y su sistema estilístico. El último se asoma a la preparación de la realización artística. Agapito Martínez Paramio, miembro de ADE, nos aporta una herramienta en la que conjuga su formación poliédrica y, centrándose en el concepto de Dirección Teatral, nos propone, con lenguaje muy ameno, accesible y exento de recovecos, adentrarnos en este mundo que tiene mucho del director clásico, pero también tiene mucho de dramaturgo, artista global... ´ El libro esta profusamente ilustrado con esquemas y gráficos que apoyan y aclaran las ideas expuestas.
Resulta embarazoso dirigir un buen espectáculo teatral sin efectuar una planificación y composición coherentes de los elementos con los que contamos. Al director, igual que al arquitecto, le resulta confuso construir una obra sin creer vivamente en unas hipótesis, sin formularlas y esclarecerlas bajo su propio análisis. La misma decisión de plasmarla escénicamente implica un sacrificio; no se pueden anhelar todas las opciones a la vez, hay que seleccionar, canalizar y ordenar los materiales disponibles para elaborar la mejor obra posible.
Punto de vista dice:
El tema del acoso y el maltrato dirigido a los niños, adolescentes y jóvenes, en definitiva la violencia de los adultos, es una materia dramática de amplio recorrido en el teatro español en los inicios del siglo XXI. Son numerosos los dramaturgos que lo han abordado desde muy diferentes puntos de vista y con técnicas teatrales también muy diversas. Desde la pederastia, el acoso sexual a menores, a las víctimas de las guerras, pasando por el maltrato psicológico, la marginación social, el maltrato por razones de género, básicamente hacia las mujeres, por racismo y por homofobia. Además, han abordado las secuelas del acoso y el maltrato en la edad adulta. Miguel Ángel Jiménez propone el estudio de una serie de obras que recogen estas temáticas de autores como Carmen F. Villalba, Tomás Afán Muñoz, Alberto Casso, Joan Sors, Antonia Bueno, Jesús Campo, Diana I. Luque, Juana Escabias, José Padilla, Enrique Torres Infantes, Luis Fernando de Julián, Paco Bezerra y Nando López.
«Este exhaustivo ensayo de Miguel Ángel Jiménez no solo es una investigación necesaria y ampliamente argumentada sobre el tratamiento de temas como el bullying y el ciberbullying en la dramaturgia actual, sino también la constatación de la existencia de toda una generación de voces teatrales que, desde nuestros diferentes ámbitos, estéticas y lenguajes, buscamos vías para dar respuesta a esa fractura entre el escenario y el público más joven, con la voluntad de convertir sus conflictos en materia dramática que exceda los límites de las campañas escolares, y se convierta en objeto de debate y polémica entre espectadores de cualquier edad.
La violencia no admite silencio. Ni neutralidad. Ni equidistancia. La violencia exige denuncia, compromiso y una actitud firme y beligerante. Una lucha en pie de orgullo por conquistar la propia identidad sin tener que ceder ante quienes, por el motivo que sea, pretenden limitarla. Y el teatro, ese espacio por excelencia de resignificación personal y colectiva, no solo se convierte en un lugar donde alzar la voz contra la injusticia, sino en un espacio –necesario, libre y compartido– de empatía.»
Del prólogo de Nando López
Satori dice:
El teatro tradicional de Japón es una de las manifestaciones más depuradas de la cultura nipona. Este estudio pretende descubrir, explorando sus relaciones con las artes plásticas, cómo muchos de sus valores van más allá de los aspectos estrictamente escénicos o dramáticos.
Sinopsis
El teatro japonés y las artes plásticas muestra una nueva manera de aproximarse a las grandes formas teatrales de Japón. En sus páginas se habla del bugaku, nō, kyōgen, bunraku y kabuki, destacando que algunos de sus planteamientos estéticos también están presentes en la pintura, escultura, arquitectura o jardinería. Ahí radica lo novedoso de este trabajo, en descubrir las correlaciones existentes entre el teatro y el resto de artes visuales niponas.
El ensayo se completa con una bibliografía y videografía así como un glosario de términos teatrales japoneses.